Eine der universellen Erfahrungen des Lebens auf der Erde ist es, mit verschränktem Nacken in den Kosmos zu starren. Die Weite des eigenen Lebens trifft auf die Weite des Weltraums, und in diesem Moment verschmelzen diese Perspektiven zu einem Zustand des Staunens und der Neugier. "Space As An Instrument", das neue Album der französischen Künstlerin und Musikerin Félicia Atkinson, lädt den Hörer ein, die phantastischen Landschaften zu erkunden, die bei solchen transformativen Begegnungen entstehen, wenn der Geist offen und empfänglich für seine Umgebung ist. Wie die Unermesslichkeit des Nachthimmels erweitert diese Musik die Vorstellungskraft und hilft uns, bequem im Mysterium des Unaussprechlichen zu verweilen. Das Klavier führt uns durch "Space As An Instrument", dessen lineare Geschichte durch zurückhaltende, sich wiederholende Melodien erzählt wird, die sich mit den Klängen am Rande der Musik verflechten - ein Hauch von Elektronik, ein Nadelstich eines ausgesprochenen Konsonanten. Sie wurden mit Atkinsons Telefon aufgenommen, das neben den Tasten oder hinter ihr platziert war, wobei der Klang des Raums durchschien, um ein Gefühl für den Ort und die Zeit der Begegnung zu vermitteln. Sie beschreibt diese Sitzungen als Treffen, bei denen sie und das Klavier zusammenkommen, um gemeinsam diese spiralförmigen Phrasen und dampfenden Dissonanzen Moment für Moment zu erschaffen. Erschwert wird diese Dynamik durch die Präsenz von Digitalpianos, die im surrealen Raum von Dioden und LED-Anzeigen existieren. Sie fungieren als Avatare ihrer dreidimensionalen Gegenstücke: nirgends und überall gleichzeitig. Dennoch ist die bewohnte Welt der Menschen, des Wassers und des Windes im gesamten "Space As An Instrument" zu hören. Oftmals sind diese Aufnahmen in den Hintergrund der Elektronik integriert oder auf den Klang von Bewegungen reduziert, deren physische Formen verdeckt sind: das Mikrofon, das sich gegen eine heftige Böe auf "Sorry" stemmt, arhythmische Schritte, die ein unsichtbares Terrain auf "Pensées Magiques" durchqueren. Diese Feldaufnahmen führen uns an den Rand der synästhetischen Erfahrung und erlauben uns, mit dem Ohr die Topographie der Phantasie zu erahnen. Doch Atkinsons Musik verweigert sich jeder singulären Perspektive auf die Szene und jeder eindeutigen Schlussfolgerung. "Sie erklärt nichts", sagt sie, ,aber sie übersetzt die Art und Weise, wie ich sie wahrnehme, irgendwie'. Atkinson ist von Natur aus eine Universalgelehrte, die sich in eine Vielzahl täglicher künstlerischer Praktiken vertieft, die sich gegenseitig nähren. In ihrem Garten vollbringt sie die langsame Arbeit des artenübergreifenden Beziehungsaufbaus und kultiviert einen idealen Raum für Introspektion und weitere Kreation; viele der gesanglichen und elektronischen Elemente des Albums wurden dort aufgenommen. Auch die Poesie, die sie für ihre Fähigkeit schätzt, die alltäglichen Werkzeuge der Bedeutungsgebung rätselhafter zu machen, fließt in die Musik mit ein. Sie malt, so oft es ihre Zeit erlaubt. Eine persönliche Einschränkung, die Atkinson in der Malerei findet, nämlich die Wiedergabe der Perspektive, ist zu einem der bestimmenden Merkmale ihrer Musik geworden. Der Blickwinkel des Zuhörers ist schlüpfrig und undefiniert, mit Klängen, die gleichzeitig gigantisch und winzig, weit entfernt und unmittelbar erscheinen. Dieses Phänomen steht im Mittelpunkt von "Thinking Iceberg", einem 13-minütigen Stück, das aus einer anderthalbstündigen Aufführung herausgeschnitten wurde und auf der Aufnahme des Albums nur eine geisterhafte Präsenz bleibt. Atkinson schrieb das Stück als Antwort auf Olivier Remauds Buch "Thinking Like An Iceberg", in dem der Philosoph diesen massiven, gefährdeten Objekten eine Rolle zuweist und sich vorstellt, wie sie ihre jahrtausendelange Beziehung zum Menschen wahrnehmen könnten. Stoische Synthesizerklänge erklingen, während das Wasser mit entwaffnender Klarheit und Präsenz knapp außerhalb des unmittelbaren Rahmens fließt. Wenn das Stück seinen Höhepunkt erreicht, erklingt Atkinsons geflüsterte Stimme, die sich direkt an das linke Ohr des Zuhörers schmiegt und einen Kontrast zu den wogenden Klangmassen bildet, die ansonsten dominieren. Wir tauchen mit einem Schimmer des Bewusstseins auf, wie Unermesslichkeit und Zartheit nebeneinander bestehen können, wenn Zeit und Menschlichkeit ihren Tribut fordern. Atkinson sagt, ihre Musik existiere "am Rande des Verstehens und des Nicht-Verstehens", was solche wörtlichen Interpretationen oft ausschließt. Aber in diesem nebulösen Raum gibt es Demut und Offenheit, und vielleicht genug Einfühlungsvermögen, um das Bewusstsein eines massiven, gefrorenen Wasserbrockens zu verstehen. Wenn die Perspektive des Zuhörers in viele verschiedene Blickwinkel gestreut ist, wie könnte dann auch dies zu einem Vehikel für die Entwicklung von Mitgefühl werden? Beim Zuhören stoßen wir auf die Weisheit, dass nicht nur die Erfahrung des Erhabenen, dieses radikale Nebeneinander von Grenzenlosigkeit und Intimität, einen Sinn hat, sondern auch das Kontinuum unzähliger Individuen, die dieselbe Reise gemacht haben. Für Félicia Atkinson bewohnen menschliche Stimmen eine Ökologie neben und in vielen anderen Dingen, die nicht im herkömmlichen Sinne sprechen: Landschaften, Bilder, Bücher, Erinnerungen, Ideen. Die französische elektroakustische Komponistin und bildende Künstlerin macht Musik, die diese anderen möglichen Stimmen im Gespräch mit ihrer eigenen zum Leben erweckt, indem sie Feldaufnahmen, Midi-Instrumente und Schnipsel essayistischer Sprache in französischer und englischer Sprache zusammenfügt. Ihre eigene Stimme, die sich immer wieder verschiebt, um Platz zu schaffen, kann aus der Ecke flüstern oder den Tonfall einer anderen Figur annehmen. Atkinson nutzt das Komponieren als einen Weg, um ihre Phantasie und Kreativität zu verarbeiten, wobei sie sich häufig mit der Arbeit von bildenden Künstlern, Filmemachern und Romanautoren auseinandersetzt. Ihre vielschichtigen Kompositionen erzählen Geschichten, die Zeit und Ort abwechselnd dehnen und falten, Geschichten, in denen sie die Erzählerin, aber nicht die Protagonistin ist. Klavier- und Fender-Rhodes-Melodien schaffen eine emotionale Verbindung zwischen abstrakten Momenten. Sie leben in unserem Gedächtnis, wie eine imaginäre Erinnerung oder ein Tagtraum. Atkinson lebt an der wilden Küste der Normandie und macht seit den frühen 2000er Jahren Musik, nachdem sie an der Beaux-arts de Paris studiert hat. Ihre musikalische Praxis war schon immer mit der Kunstwelt verbunden, daher die Bedeutung abstrakter Farben in ihren musikalischen Klangbildern. Bei Shelter Press, dem Label und Verlag, den sie gemeinsam mit Bartolomé Sanson leitet, hat sie zahlreiche Platten und einen Roman veröffentlicht. Sie hat mit Musikern wie Jefre Cantu-Ledesma, Chris Watson, Christina Vantzou und Stephen O'Malley sowie mit Ensembles wie Eklekto (Genf) und Neon (Oslo) zusammengearbeitet. Sie ist an verschiedenen Orten und auf Festivals aufgetreten, darunter INA GRM/Maison de la Radio und die Philharmonie (Paris), Volksbühne (Berlin), Barbican Center (London), Le Guess Who (Utrecht), Atonal (Berlin), Issue Project Room (NYC), Henie Onstad (Oslo), Unsound (Krakau) und Skanu Mesz (Riga). Ihre Arbeiten wurden von Filmemachern (Ben Rivers, Asher Rosen, Chivas de Vinck, Pier Philippe Chevigny) und Modehäusern (Prada, Burberry) in Auftrag gegeben. Sie hat in Museen, Galerien und auf Biennalen ausgestellt, darunter die RIBOCA Biennale (Riga), die Biennale Son (Sion), Overgaden (Kopenhagen), BOZAR (Brüssel), usw.